<< La macchina investigativa cinematografica passa dalle testimonianze post-assasinio della egoista e fatua madre di Peter, alle sue (del protagonista) ultime manie di suicidio, a reperti psichiatrici, alla frequentazione della prostituta nel porno club. L’uccisione di quest’ultima, avviene senza un senso plausibile, perché capita così, ex abrupto, in un momento di tenerezza tra i due, in una sorta di invasata violenza automatica..
Ma non c’è spazio per la tenerezza, o per qualsiasi si altra forma di comunicazione in un ambiente mentale – quello del mondo di marionette – che razionalizza anche l’amore di coppia, razionalizza, organizza anche il proibito, la trasgressione del tradimento: la coppia aperta, i locali porno dove si vende l’eros, o il suo morto simulacro.
Dopo una lunga lettura – da parte dello psichiatra Jansen – del quadro clinico che spiega i nodi psichici che hanno fatto esplodere nell’atto omicida Peter, il film si chiude come era iniziato, con una sequenza a colori che ritrae Peter in carcere mettere ossessivamente a posto il lettino e rifiuta ogni aiuto.
Mettere ossessivamente a posto: è la noia petulante delle società “avanzate”.
Si finisce come s’inizia... il principio era la fine... Bergman e i circoli viziosi. >>

terze fonti.

 

 

Gioconda di Warhol - o più in generale quella riproposta da tanti artisti - , la Gioconda del MotorShow di quest'anno.. "Bella scoperta", come campagna pubblicitaria...

Insomma ormai non è una novità, la Gioconda di Loeonardo è stata rivisitata da Warhol, Magritte, Dalì, Botero... sovrapponendosi all'originale, quasi soffocandolo. Possono essere considerate come opere nuove, una rivisitazione (forse anche pregevole), una reinterpretazione, un esercizio di stile.

Questo video l'ho ripescato e postato qui per accennare e per sottolineare quel.. come si può dire....... quel repêchage di 'figure' che hanno fatto scalpore sin dal primo momento in cui sono state ideate e che hanno via via suscitato curiosità e interesse ogni qualvolta siano state riproposte.
Mi pare che di questi tempi sia ricorrente l'interesse dell'enigmatica Gioconda..
Io questo video comunque lo trovo stupendo per diverse ragioni.

Ed eccomi già qui! Mi sono svegliata, lavata e preparata... tra un po' devo andare a casa di mio padre poiché oggi c'è il battesimo del mio fratellino Joshua (ha un anno e mezzo circa).
Si lo so.. ho dormito poco più di tre ore ma nessuno si spaventi! Per me è quasi normale ^_^
Sinceramente sono tornata per vedere se avevo fatto errori nel post di questa notte... bene, sono di fretta e furia e benché lo abbia guardato e riguardato con altrettanta frettolosità non mi è comunque parso ce ne fossero.

Un saluto a tutti 

Oggi sono stata ad un’interessante mostra fotografica, una mostra piuttosto modesta ma gratificante. La mostra espone a Milano presso la Galleria Carla Sozzani in corso Como, precisamente – per chi ha familiarità – all’interno del più che conosciuto “10 corso Como”, resterà aperta al pubblico fino al 28 ottobre.

In realtà le esposizioni erano due: la prima, "Allegorie" , è una personale del fotografo francese Gilbert Garcin.
Nel momento in cui Garcin si ritira dal lavoro sente il bisogno di rielaborare le esperienze vissute per esprimere il suo punto di vista sulla vita. A questo scopo sceglie la fotografia.
 
 
  ©Gilbert Garcin - Les témoins indifférents (I Testimoni Indifferenti)


Decide di creare un personaggio da inserire in situazioni metaforiche ogni volta diverse e realizzate grazie a semplici miniature fatte in casa con materiale di recupero (sabbia, parti del vecchio meccano di suo figlio, giocattoli, pietre, fili…). I paesaggi così realizzati servono da sfondo a questo signor Nessuno, l’uomo qualunque, che in situazioni metaforiche esprime massime e pensieri sulla condizione umana.

             
              ©Gilbert Garcin - Quand le vent sel vera (Quando il vento sale)


Le fotografie di Garcin sono interamente realizzate con un metodo artigianale: non c’è l’intervento del computer e il lato “bricolage” (taglia, incolla, crea un’ombra, rimpicciolisci…) è parte integrante della tecnica utilizzata. Niente colore, solo bianco e nero, e un grande rigore nella realizzazione. Con crescente entusiasmo Garcin crea centinaia di fotografie/collage che compongono la ricca “autobiografia fittizia” del signor Nessuno. Aspetto distinto, anziano, alto e leggermente calvo, capelli bianchi, un cappotto un po’ demodé (appartenente al suocero di Gilbert Garcin), questo personaggio interpreta paradossi, allegorie e riflessioni. Le immagini sono accompagnate da titoli che guidano la loro interpretazione e sono spesso alla base della creazione dell’opera stessa.


©Gilbert Garcin - Ambitieux (Ambiziosi)

                        ©Gilbert Garcin - Presse

©Gilbert Garcin - Le Funambule (Il Funambolo)

Recentemente Garcin ha iniziato a fotografare anche la moglie. La coppia viene quindi messa al centro della riflessione dell’artista. Anche in questo caso le fotografie sono caratterizzate da una forte ironia. Le allegorie riflettono: la difficoltà di comunicare, di vivere a due, di capire se stessi e i propri desideri, così come la volontà di liberarsi dagli schemi imposti dalla società. Viene messa in luce  l’impotenza davanti alle difficoltà quotidiane e il bisogno di ognuno di sentirsi realizzato, importante, sereno. Il teatro racchiuso nelle fotografie di Garcin mette in scena una marionetta esistenziale nella quale ognuno di noi può riconoscersi.

©Gilbert Garcin - Le Dilemme (Il dilemma)

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“Masao è un superbo fotografo.
Ogni stampa è un meraviglioso mondo, sia che ci rappresenti una sognante cascata che una foglia di loto su uno sfondo d’inchiostro, un bocciolo posato su un semplice piatto o degli uccelli in volo oppure immobili, solitari o in gruppi che disegnano una nuvola nel cielo.
Egli accosta un ibisco in fiore allo sfondo di un fuoco d’artificio.
Masao Yamamoto ci obbliga a fermarci nel nostro frenetico passare da una cosa all’altra e ci offre la possibilità di guardare il mondo con altri occhi.”
Margarett Loke
The New York Times, 19 maggio 2000

L’altra installazione è quella dell'artista giapponese Masao Yamamoto; le fotografie fanno parte di due raccolte: "Nakazora" e "A box of Ku". Il termine buddista “nakazora” definisce lo spazio fra il cielo e la terra, il centro della volta celeste (lo zenit), ma anche il vuoto. “Ku”, da cui il titolo “A box of Ku”, è un carattere cinese che ha diversi significati: “cielo”, ma anche “vuoto, assenza”. Se intesa come parola buddista, il suo significato è: “fenomeno che non assume una forma concreta”, e anche “ciò che non si può conoscere” e quindi descrivere.


©Yamamoto Masao

Entrambi i progetti sono composti da fotografie, principalmente in bianco e nero, stampate con metodi tradizionali su carta fotografica. Ogni immagine è riprodotta in dimensioni così piccole che a volte è difficile identificarne il soggetto. I bordi delle fotografie sono tagliati in modo irregolare e molti sono consumati. Le fotografie sono così stropicciate che sembrano quelle, dimenticate da tempo, e ritrovate nel portafogli o in una vecchia scatola. Le imperfezioni, le pieghe, la carta volutamente strappata, la stampa a volte imperfetta, caratterizzano in modo differente ogni stampa.

Il valore dell’opera di Masao Yamamoto è dato sia dalle singole fotografie, create con eleganza, precisione e equilibro, che dalla composizione dell’insieme: dalla relazione estetica e di significato che si instaura fra immagini.

Tutta l’opera di Yamamoto si basa sul frammento: le fotografie sono piccoli istanti di vita quotidiana, i soggetti sono spesso molto comuni, a volte persino banali, ma nell’insieme ricreano l’universo personale dell’artista, ritraendolo con grande sensibilità. Allo stesso tempo i singoli frammenti riuniti creano una storia, un’atmosfera.

Di rilievo il rapporto fra spazio bianco/vuoto e spazio pieno/dedicato alle fotografie. I due elementi sono ugualmente importanti per la composizione. L’installazione, come una sinfonia, prende forma fra le immagini (note) e lo spazio bianco (silenzio). L’equilibrio fra questi due elementi e la sensibilità di Yamamoto rendono la sua ricerca estremamente raffinata e singolare.

Avendo visto le installazioni di Masao Yamamoto quello che pare è che rompe le convenzioni e le regole della fotografia; non ingrandisce, quasi cercasse di rendere arduo lo sforzo dello spettatore nel decifrare l’immagine e volesse obbligarlo a fermarsi per guardare in profondità. Non ingrandisce e anzi, rimpicciolisce. Tanto che lo spettatore davvero tende ad avvicinarsi quanto più possibile all’immagine che ha dinanzi per riuscire a decifrarla.

Fotografie, principalmente in bianco e nero, stampate con metodi tradizionali su carta fotografica. Ogni immagine è riprodotta in dimensioni così piccole che a volte è difficile identificarne il soggetto. I bordi delle fotografie sono tagliati in modo irregolare e molti sono consumati. Le fotografie sono così stropicciate che sembrano quelle dimenticate da tempo e ritrovate nel portafogli o in una vecchia scatola. Le imperfezioni, le pieghe, la carta volutamente strappata, la stampa a volte imperfetta, caratterizzano in modo differente ogni stampa.

Le foto di Masao Yamamoto sono cose, oggetti, frammenti di mondo.
La realtà che egli vuole rappresentare è una realtà interiore.
Le sue opere sono descrizioni di sogni.
In un’intervista Masao ha spiegato: “Io vivo ogni giorno sentendo la divinità in tutte le cose indistintamente e andando alla ricerca della bellezza”.
Le sue immagini spesso sono rappresentazioni simboliche di qualcos’altro a cui egli sta pensando.

La galleria si trasforma in una sorta di camera concentrica con al centro un cubo, dove si può entrare, come per accedere in un'altra dimensione... e trovarvi racchiuso un altro dei piccoli tesori di Yamamoto: una fotografia in bianco e nero di piccole dimensioni, come tutte le altre del resto. Sono quasi tutte simili a francobolli o a cartoline, “appiccicate” sulle pareti della galleria, universo che accoglie queste costellazioni di fotografie, legate da un senso che solo chi le guarda può cogliere.




Le sue fotografie sono come un tocco delicato. I paesaggi, gli animali, i corpi di donna, nuvole, cieli, suscitano un senso di pace e tenerezza, perché testimoni della delicatezza di cui la natura è capace. In una sala più piccola e raccolta invece vi sono pochi altri lavori, più grandi per dimensioni, protetti da cornici con vetro. I soggetti restano più o meni gli stessi. 




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La mostra ci (o almeno Mi) ha fatto riflettere sulle più svariate questioni, diverse ma ugualmente curiose e interessanti.

Particolare e in un certo qual modo suggestiva, al tempo stesso semplice e complice di singolarità e unicità nel suo essere così timidamente originale. Mi ha dato modo di stupirmi proprio per la sua originalità innanzitutto, e per il suo modo di imporsi nella sua così liberale spontaneità.. e per il suo pronunciarsi puro, infinitamente naturale e genuino. E ancora, mi ha stupito l’innovativa e insolita prospettiva offerta da questi magnifici fotografi. Anzi. Dai magnifici sguardi di questi artisti. Perché è questo che una fotografia è: l’occhio, lo sguardo dell’artista. E più profondamente è anche il riflesso del suo pensiero in una possibile forma di espressione.

Qui di seguito la mia amica BondMic all'interno del "cubo" presente al centro della sala (che nessuno aveva capito bisognasse entrarci dentro:)